Né en 1930 à Rumelange, Luxembourg. Décédé en juillet 2021 à Luxembourg.

Entre 1950 et 1970, l’artiste polymorphe Romain Urhausen a été un des photographes les plus innovants au Luxembourg. Pionnier, passionné, facétieux et prolifique, il a embrassé des sujets très variés : la vie quotidienne, l’homme au travail, le paysage urbain, le nu, l’autoportrait… Sa curiosité l’a conduit à expérimenter sans cesse, tant dans les thèmes à photographier que par les techniques à privilégier. Depuis ses années de formation, qu’il a passées à la fois à Paris (à l’Ecole technique de photographie et de cinéma) et à Saarbrücken (à la Staatlichen Schule für Kunst und Handwerk), il n’a cessé d’être actif et créatif dans les trois pays (France, Luxembourg et Allemagne), ce qui a nourri son travail d’une manière singulière et inédite.

Influencé par les photographies humaniste française et subjective allemande, il a participé à l’exposition d’Edward Steichen Postwar European Photography au MoMA en 1953. Ses photographies ont également été présentées dans d’autres expositions importantes des années 1950 : comme Subjektive fotografie 1 et 2, sous le commissariat d’Otto Steinert (dont il a été l’élève) à Saarbrücken, au Grand Palais à Paris ainsi qu’au Musée Folkwang d’Essen. Ses œuvres ont été montrées lors de la Weltausstellung der Photographie – Was ist der Mensch ? qui a eu lieu au Museum of Fine Arts de Boston en 1964 (sous le commissariat Karl H. Pawek) avant de poursuivre leur itinérance en Europe. En 2006, ses photographies sont sélectionnées aux côtés de celles d’autres artistes dans l’exposition Paris – Bilder einer Stadt au Saarland Museum à Saarbrücken.

Romain Urhausen a photographié divers lieux et thèmes au Luxembourg : les villes de Luxembourg et d’Esch-surAlzette (où son atelier était installé au début des années 1950), la Moselle, le bassin sidérurgique du Sud... En 1965, il a répondu à une commande de l’ARBED pour illustrer par une centaine de photographies leur rapport d’activité. Il a également exposé à plusieurs reprises au Grand-Duché, dans le cadre d’expositions individuelles, notamment à Esch-sur-Alzette en 1956 (pour le 50e anniversaire de la ville) ou en 2003.

C’est la grande exposition monographique que le Centre national de l’audiovisuel lui a consacrée en 2016, et son ouvrage de référence associé, qui ont révélé au grand public une part importante de son travail et de ses archives.

Ses photographies font aujourd’hui partie des collections de diverses institutions publiques au Luxembourg (CNA) et en Allemagne : au Folkwang Museum à Essen, au Saarland Museum à Saarbrücken ou encore au Museum für Kunst und Kulturgeschichte de Dortmund, entre autres.

La palette de ses talents s’est étendue largement au-delà de la photographie qu’il a par ailleurs enseignée. Scénographe de certaines de ses expositions, il a aussi été graphiste de certains de ses ouvrages. Il s’est formé et a créé dans des domaines aussi variés que l’architecture et le design d’intérieur, la réalisation de films, la sculpture et le design de bijoux. Une de ses créations de design, un fauteuil à bascule datant du début des années 1970, a d’ailleurs fait l’objet d’une acquisition récente par le Musée National d’Histoire et d’Art (MNHA) de Luxembourg.

Soucieux de conserver la mémoire des Halles à Paris, Romain Urhausen avait décidé, à l’annonce en 1960 du futur transfert du marché à Rungis, de faire un livre de photographies et de textes, en collaboration avec Jacques Prévert. L’album fait revivre visuellement cette atmosphère de marché : ses personnages, ses marchandises, ses bruits et ses odeurs. Les hommes et les femmes qui s’affairent, qui courent ou qui font une pause, mais aussi l’étal du boucher et ses têtes de cochon ou de veau contribuant à créer une riche trame narrative à travers un langage visuel contrasté. Avec la complicité poétique de Jacques Prévert, les photographies de Romain Urhausen racontent de façon expressive et tranchante la vie au quotidien de ces marchands, vendeurs, bouchers…, tous ces personnages liés à cette atmosphère particulière des Halles. Les images sont très contrastées, le noir domine et donne aux vues diurnes et nocturnes beaucoup d’expressivité.

Pour Romain Urhausen, comme il le répétait souvent lors de nos rencontres, la photographie n’est jamais lisse. Il aimait les rides, le rictus d’un visage, l’expressivité plutôt que l’harmonie de la beauté pure. Sa photographie savait aussi capter le vivant, le fluide et le mouvement. Entre photographies d’accumulation et détail qui interpelle, il a créé un rythme visuel très fort que l’on retrouve aussi dans ses publications. Le clair et l’obscur, l’ombre et la lumière, la vie et la mort sont omniprésents dans ses photographies parfaitement contrastées.

Le nu a été un genre majeur des beaux-arts jusqu’à la fin du XIXe siècle ; quand la photographie s’en est emparée pour lui donner de nouvelles représentations, elle s’est confrontée aux avant-gardes du XXe siècle et à leur esthétique de la fragmentation, de l’abstraction et de la déconstruction, ce qui a radicalement changé la perception du corps nu. L’école subjective a revisité ces expériences « déconstructivistes » par rapport au « nu idéalisé », comme le montrent les exemples d’Otto Steinert et de son élève Joachim Lischke qui accompagnent les photographies de Romain Urhausen dans l’exposition.

En tant qu’élève d’Otto Steinert à Saarbrücken, Romain Urhausen aborde aussi le nu avec tout l’arsenal du langage subjectif : solarisation, négatif, luminogramme… La figure féminine devient alors le prétexte d’une exploration photographique expérimentale, où le modèle rencontre la gestualité de l’artiste et le corps se fond dans la matérialité de la photographie en occultant la représentation. Le corpus des photographies de nus étant très riche chez Romain Urhausen (même au-delà des années 1960), les influences de photographes comme Lucien Clergue ne manquent pas dans son répertoire.

Comme pour les genres précédents, l’autoportrait selon Romain Urhausen ne sert pas de miroir, mais plutôt d’interface créative, où la présentation décalée et la distanciation recherchée par des éléments dérangeants et insolites, renforcent paradoxalement la présence du créateur dans la fabrication de l’image. Il n’a pas peur de traiter l’autoportrait avec la même fantaisie que les autres sujets, quitte à apparaître dans des situations parfois étranges. De même, sans craindre l’autodérision, il met en scène, manipule et cadre ses autoportraits de façon inhabituelle, avec le même filtre de l’approche subjective. L’autoportrait à la connotation surréaliste où on le voit assis sur une chaise entre les rails en train de déguster un œuf à la coque, ou d’autres plus fragmentés où son visage apparaît déformé à travers un jeu d’écran ou de miroir, ne sont que quelques exemples.

Son regard sur le monde et sur les autres, il l’a porté à travers l’image de lui-même, celle du photographe en continuel processus créatif, à la recherche non pas d’une réalité extérieure, mais d’une certaine vérité intérieure.